Una noche vi la eternidad

Entrevista completa

Muchas de mis obras se refieren a Dios: ya sea «Święty Boże», para soprano, cuerdas de piano, cintas y luces, premiada hace veinte años por Witold Lutosławski con el primer premio en el concurso de composición para una obra dedicada a Juan Pablo II, o «Deus Irae», interpretada por mí y por el Trio Pro Contemporania en el Festival «Warszawska Jesień» en 2002.

SYLWIA PRAŚNIEWSKA: Desde hace años actúa usted tanto en Polonia como en el extranjero. ¿En qué se diferencian el enfoque polaco y el de Europa occidental respecto de la música clásica y la educación?

ALEKSANDER GABRYŚ: La base de mis actividades posteriores como instrumentista fue el oficio técnico que recibí de mis profesores de Katowice vinculados a la NOSPR, basado en la música clásica. La literatura para contrabajo anterior a Paul Hindemith no es tan abundante como la del violín o la del violonchelo, lo que desde el principio me provocó a buscar obras nuevas y sustanciales, que utilizaran las posibilidades de este magnífico instrumento. Las altas exigencias de mi maestro de Katowice, el prof. Waldemar Tamowski, me permiten hoy moverme libremente en un espectro de obras que va desde las «puramente clásicas» hasta los experimentos más extraños de compositores que escriben pensando en el contrabajo y en sus «extensiones» técnicas y electrónicas. Continué mi educación clásica en Basilea, entre otros con maestros como Ovidiu Badila y Wolfgang Güttler; también tuvieron sin duda influencia los contactos con otros músicos eminentes del cuerpo docente de la Academia de Música de Basilea, como Sergio Azzolini, Ivan Monighetti, Thomas Demenga o Gidon Kremer, con quien, gracias a estos estudios de posgrado, tuve la suerte de tocar hace más de una década muchos conciertos como cosolista en una obra de Alberto Ginastera.

Continué perfeccionando mis capacidades «clásicas», por una parte en estudios posteriores - tras obtener el diploma de solista - en la Schola Cantorum Basiliensis, en el ámbito del antiguo violone con David Sinclair, y por otra en estudios de composición con Thomas Kessler y Hanspeter Kyburz. Como el prof. Witold Szalonek, desde mi infancia, era huésped frecuente y amigo de mis padres en nuestra casa de Katowice, mi modo de pensar la música fue desde el principio «injertado» con un hilo de esperanza hacia algo nuevo en la música; primero, por tanto, de manera infantil, y más tarde ya profesionalmente, llevé a cabo numerosos experimentos y realizaciones utilizando el contrabajo, la electrónica, la gadulka, mis propios instrumentos y elementos improvisatorio-aleatorios.

También los estudios de dirección en Basilea con el prof. Jost Meier me dieron algo de oficio, que más tarde resultó útil para conducir varios conjuntos de cámara y dirigir proyectos de estudio y de composición. La combinación de estos rasgos - la capacidad «circense» de realizar tareas típicamente «clásicas» con el deseo insaciable de una verdadera «felicidad» musical presentida y no encontrable - me permitió «hacer surgir» muchas obras nuevas con el contrabajo en el papel principal, de compositores de casi todos los rincones del mundo.

El ambiente «clásico» en Occidente está incomparablemente más integrado con la «vanguardia», representada por ejemplo por mis profesores y mentores de composición, que en Polonia. El nivel de familiarización del llamado gran público con los valores y el sentido de la existencia de la música nueva es más alto en Occidente en la medida en que no produce efectos de «rechazo» o de «choque» ante el experimento, sino que despierta, a cambio, discusiones vivas sobre el contenido y el nivel de las nuevas soluciones compositivas e ideológicas. El público acude con mucha más disposición a conciertos y festivales concentrados en torno al repertorio escrito «aquí y hoy» que en Polonia, donde a veces el interés por excelentes conciertos de la música más reciente es miserable y despierta tristeza, cuando el público pierde ocasiones irrepetibles de profundizar su comprensión de la naturaleza y del mundo a través de la música. Por eso vale la pena pasar por el taller exigente y difícil de Polonia, donde los métodos de enseñanza se sitúan en un nivel mucho más riguroso, y después concederse un feliz «respiro» en un mundo en el que todas las manifestaciones de lo artístico, incluso lo no musical, están de manera natural fuertemente integradas y nadie ve ya un problema en las transgresiones poliestilísticas o «politécnicas».

Hace poco publicó usted en el sello DUX el álbum doble «Bassolo».

Sobre la base del Programa de Becas «Młoda Polska» obtuve del Ministerio de Cultura los medios para realizar un disco que presentara música nueva con el contrabajo en el papel principal. Son más de 141 minutos de música interpretada rara vez o nunca antes. Incluí allí tanto obras de compositores polacos, para promover mi propio nido, como obras suizas, coreanas o eslovacas escritas para mí. Además de la monumental «Musica concertante» de Witold Szalonek o del concierto soñador e ingenioso de mi padre Ryszard, se encuentran en este álbum también «monumentos» de la literatura contrabajística, obras ya algo museísticas desde el punto de vista de la música más nueva, sin las cuales no tendríamos oportunidad de alcanzar el nivel de cultura que tenemos actualmente; es decir, esas obras «más importantes» de autores como Iannis Xenakis, Giacinto Scelsi, Gérard Grisey o John Cage.

Algunas de las composiciones contenidas en este disco fueron escritas especialmente para usted y están dedicadas a usted.

«Desde siempre» papá escribía para mí, como resultado de lo cual en su carpeta de compositor se ha reunido ya una colección considerable de literatura para contrabajo, a menudo con uso de la voz, algo que - convencidos del sentido del «tocar total» - utilizamos con gusto junto con mi padre. El resultado de mis actuaciones en este repertorio son numerosas composiciones inspiradas por él - surgidas por efecto «dominó» -, que siguen el mismo camino trazado por mi padre, escritas para mí y pensando en mí y en mis cualificaciones mixtas como «actor» o «narrador» instrumental: obras de Michel Roth, Alfred Knüsel, Jevgenij Iršai, Thomas Lauck, Helmut Oehring, Andrzej Dziadek o Junghae Lee. Ya después de grabar este disco recibí nuevas partituras de compositores suizos, armenios e ingleses, de modo que se ha reunido material para una nueva grabación.

Usted procede de una casa musical. Estudió composición con su padre, Ryszard Gabryś. ¿Qué influencia tuvo su padre en la formación de su personalidad musical?

Absolutamente inalienable. Tengo una gran suerte: desde la infancia más temprana mi padre, pero también mi madre, dotada de oído absoluto (y también de talentos compositivos que H. M. Górecki en su momento apreció mucho...), me trataban como a un compañero, y según el principio de acoplamientos creativos de retroalimentación pude seguir una vía de desarrollo musical rara y no estándar. También los compositores amigos de la casa influyeron en mi modo de pensar qué son el sonido y su función, el tiempo y el espacio. La mayor alegría es que cada día llevamos a cabo vivos intercambios de pensamiento sobre diversas manifestaciones de la vida musical, pues esto es para nosotros el contenido verdadero e inspirador del sentido de la vida. Veo una pasión semejante, por ejemplo, en Pierre Boulez o Heinz Holliger, con quienes en abril tuve ocasión de conversar después de mi aparición en el concierto jubilar de la Paul Sacher Stiftung en Basilea, y constato que, pese a todas las diferencias y escalas entre ellos y nosotros, el ardor y la pasión por adentrarse en los detalles de la producción musical son similares, si no iguales: máximos.

Usted también es compositor. ¿En qué estilos compone? ¿Qué música es?

Compongo en un estilo propio: esto significa que construyo el sentido y el modo de conducir el contenido esencial para mí no solo sobre la base de mis propias elecciones, sino también de mis propios principios, creados de nuevo para las necesidades de cada obra, plan o performance sucesivos. El estilo de empezar cada vez «desde cero» provoca la impresión de una nueva oportunidad para un descubrimiento aún mejor y más profundo. La música y su aprendizaje, así como su «descubrimiento», despiertan en mí una sincera gratitud de naturaleza religiosa. También una serie de mis obras, de un modo u otro, se refiere a Dios: ya sea «Święty Boże», para soprano, cuerdas de piano, cintas y luces, premiada hace veinte años por Witold Lutosławski con el primer premio en el concurso de composición para una obra dedicada a Juan Pablo II, o «Deus Irae», interpretada por mí y por el Trio Pro Contemporania en el Festival «Warszawska Jesień» en 2002.

¿Cuántas obras comprende su producción compositiva?

Unos cincuenta opus; sin embargo, el grueso de mi trabajo son textos y descripciones de acciones siguientes. No sé cuánto de esto tendré oportunidad de realizar. Me alegra enormemente el proyecto que llevaré a cabo el año próximo en Berna durante la «Musik Biennale Bern 2012»: es una especie de forma nueva, que une a constructores, la construcción de una máquina musical acoplada a Internet, un proyecto de seis semanas durante el cual, junto con socios musicales, viviré en el escenario, dormiré allí y crearé allí, transmitido como en «Big Brother», con la diferencia de que nosotros tenemos ante nosotros una tarea concreta, un manifiesto y un desafío.

En 2002, en el festival Warszawska Jesień, presentó usted su composición teatralizada «Deus Irae». ¿En qué consiste su teatralización?

Es una obra que continúa mi aspiración de implicar al músico en la creación de la música de un modo «total», absoluto, incluso meta-musical. Por eso necesito a menudo colaboradores lo más extraordinariamente creativos posible, y tengo la suerte de haberlos encontrado; proceden de todos los rincones del mundo. De este modo se me ha creado una «patria» horizontal, a diferencia de la natural - «vertical» -, en la que nacemos como homo sapiens. «Deus Irae» se refiere a un libro de mi favorito, Philip K. Dick, y en un mundo postnuclear y transformado en una forma degenerada del mundo muestra la fuerza de los sueños y las creencias. El clima de la «poesía de la conversación con Dios», recogido en forma de dramáticos diálogos musicales y sugestiones sobre las cosas últimas, estuvo aquí inspirado también por Henry Vaughan y su poema «The World», así como por su primer verso: «I saw Eternity the other night» («cierta noche vi la eternidad»).

Usted también es performer. ¿Cómo es esta corriente de su actividad?

La frontera entre improvisación, acciones de naturaleza puramente actoral (interpreto, entre otros, el papel de «Kraus» en una ópera de cámara), realizaciones de partituras del género clásico y de la clásica experimental, el control de la «irradiación» (como la llaman los músicos alemanes: «Ausstrahlung»), de sus papeles, funciones y matices, hace ya tiempo que se ha borrado en mí. Considero performance no solo mis apariciones escénicas, sino que permanezco fiel a la idea de un locutor de la «Voz de América» de hace años, violinista genial y alma verdaderamente artística, Mirosław Kondracki: «...toca cualquier cosa, cuando sea, donde sea, para-lo-que-sea, como sea, aunque...». La frontera entre el arte y la vida es conscientemente borrada y cruzada por mí. El arte es como el pan de cada día, para parafrasear a mi jefe de hace años, el prof. Jan Wincenty Hawel.

¿Cuáles son sus planes como solista y músico de cámara?

Cada año viajo bastante por el mundo - de Buenos Aires, pasando por la República de Sudáfrica, hasta Armenia - con mi conjunto Ensemble Phoenix Basel, así como con Ensemble Modern de Frankfurt, Klangforum Wien de Viena, con los que colaboro de manera estable, los pre-art soloists de Zúrich, XQuartett de Basilea, oenm de Salzburgo y otros grupos. Si tuviera que describir el plan de conciertos hasta finales de 2012, tendría que ocupar otra página de «Twoja Muza», así que diré solamente que espero con alegría el estreno en Sarajevo de la obra escrita para mí por Aram Hovhannisyan, o el papel escrito pensando en mí en la nueva ópera de Enno Poppe, que interpretaremos en 2012 en Viena.