Une nuit, j’ai vu l’Éternité

Entretien intégral

Beaucoup de mes œuvres se rapportent à Dieu : qu’il s’agisse de « Święty Boże », pour soprano, cordes de piano, bande et lumières, récompensé il y a vingt ans par Witold Lutosławski du premier prix au concours de composition pour une œuvre dédiée à Jean-Paul II, ou de « Deus Irae », que j’ai interprété avec le Trio Pro Contemporania au festival « Warszawska Jesień » en 2002.

SYLWIA PRAŚNIEWSKA : Depuis des années, vous vous produisez aussi bien en Pologne qu’à l’étranger. En quoi diffèrent l’approche polonaise et l’approche ouest-européenne de la musique classique et de l’éducation ?

ALEKSANDER GABRYŚ : La base de mes activités ultérieures comme instrumentiste a été le métier technique que j’ai reçu de mes professeurs de Katowice liés à la NOSPR, fondé sur la musique classique. La littérature pour contrebasse antérieure à Paul Hindemith n’est pas aussi abondante que celle du violon ou du violoncelle, ce qui, dès le début, m’a poussé à chercher des œuvres nouvelles, substantielles, exploitant les possibilités de ce magnifique instrument. Les exigences élevées de mon maître de Katowice, le prof. Waldemar Tamowski, me permettent aujourd’hui de me mouvoir librement dans le spectre des œuvres allant du « purement classique » jusqu’aux expériences les plus étranges des compositeurs qui écrivent en pensant à la contrebasse et à ses « extensions » techniques et électroniques. J’ai poursuivi ma formation classique à Bâle, notamment auprès de maîtres tels qu’Ovidiu Badila et Wolfgang Güttler ; ont eu aussi une influence certaine les contacts avec d’autres musiciens éminents de l’Académie de musique de Bâle, comme Sergio Azzolini, Ivan Monighetti, Thomas Demenga ou Gidon Kremer, avec qui, grâce à ces études postgrades, j’ai eu la chance, il y a plus d’une décennie, de jouer de nombreux concerts comme cosoliste dans une œuvre d’Alberto Ginastera.

J’ai continué à perfectionner mes compétences « classiques », d’une part dans des études ultérieures, après l’obtention du diplôme de soliste, à la Schola Cantorum Basiliensis, dans le domaine du violone ancien auprès de David Sinclair, et d’autre part dans des études de composition auprès de Thomas Kessler et Hanspeter Kyburz. Comme le prof. Witold Szalonek, depuis mon enfance, était un hôte fréquent et un ami de mes parents dans notre maison de Katowice, ma manière de penser la musique a été dès le début « greffée » d’un fil d’espoir vers quelque chose de nouveau en musique ; d’abord donc de manière enfantine, puis déjà professionnelle, j’ai mené de nombreuses expériences et réalisations avec la contrebasse, l’électronique, la gadulka, mes propres instruments et des éléments d’improvisation et d’aléatoire.

Les études de direction à Bâle auprès du prof. Jost Meier m’ont également donné un certain métier, qui m’a ensuite été utile pour conduire quelques ensembles de chambre et diriger des projets de studio et de composition. La combinaison de ces traits - l’habileté « de cirque » à réaliser des tâches typiquement « classiques » et le désir insatiable d’un véritable « bonheur » musical pressenti, mais introuvable - m’a permis de « faire apparaître » de nombreuses œuvres nouvelles, avec la contrebasse au premier plan, écrites par des compositeurs de presque tous les coins du monde.

Le milieu « classique » en Occident est incomparablement plus fortement intégré à l’« avant-garde », représentée par exemple par mes professeurs et mentors de composition, que ce n’est le cas en Pologne. Le degré de familiarisation du soi-disant grand public avec les valeurs et le sens de l’existence de la musique nouvelle est en Occident d’autant plus élevé qu’il ne produit pas d’effets de « rejet » ni de « choc » devant l’expérimentation ; il suscite en échange des discussions animées sur le contenu et le niveau des nouvelles solutions compositionnelles et idéelles. Le public se rend bien plus volontiers aux concerts et aux festivals centrés sur le répertoire écrit « ici et aujourd’hui » que ce n’est le cas en Pologne, où l’intérêt pour d’excellents concerts de musique toute récente est parfois misérable et inspire de la tristesse, quand le public perd des occasions uniques d’approfondir sa compréhension de la nature et du monde à travers la musique. Il vaut donc la peine de passer par l’atelier exigeant et difficile de la Pologne, où les méthodes d’enseignement se situent à un niveau beaucoup plus rigoureux, puis de s’accorder une heureuse « respiration » dans un monde où toutes les manifestations de l’art, même non musical, sont naturellement fortement intégrées, et où plus personne ne voit de problème dans les transgressions polystylistiques ou « polytechniques ».

Vous avez récemment publié chez Dux le double album « Bassolo ».

Dans le cadre du programme de bourses « Młoda Polska », j’ai obtenu du ministère de la Culture des moyens pour réaliser un disque présentant la musique nouvelle avec la contrebasse au premier plan. C’est plus de 141 minutes de musique jouée rarement, ou jamais auparavant. J’y ai inclus aussi bien des œuvres de compositeurs polonais, afin de promouvoir mes propres racines, que des œuvres suisses, coréennes ou slovaques écrites pour moi. Outre la monumentale « Musica concertante » de Witold Szalonek ou le concerto rêveur et plein d’esprit de mon père Ryszard, l’album contient aussi des « monuments » de la littérature pour contrebasse, des œuvres déjà quelque peu muséales du point de vue de la musique la plus récente, sans lesquelles nous n’aurions aucune chance d’atteindre le niveau de culture qui est aujourd’hui le nôtre, donc ces œuvres « les plus importantes », d’auteurs tels qu’Iannis Xenakis, Giacinto Scelsi, Gérard Grisey ou John Cage.

Certaines des compositions contenues sur ce disque ont été écrites spécialement pour vous et vous sont dédiées.

« Depuis toujours », papa écrivait pour moi ; il en résulte que dans son dossier de compositeur s’est déjà accumulée une collection considérable de littérature pour contrebasse, souvent avec recours à la voix, ce que, convaincus du sens du « jeu total », mon père et moi pratiquons volontiers. Mes interprétations dans ce répertoire ont eu pour effet de nombreuses compositions inspirées par lui - nées par effet de « domino » -, suivant la même voie tracée par mon père, écrites pour moi et en pensant à moi et à mes qualifications mixtes d’« acteur » ou de « narrateur » instrumental : des œuvres de Michel Roth, Alfred Knüsel, Jevgenij Iršai, Thomas Lauck, Helmut Oehring, Andrzej Dziadek ou Junghae Lee. Après l’enregistrement de ce disque, j’ai encore reçu de nouvelles partitions de compositeurs suisses, arméniens et anglais ; il y a donc de quoi préparer un nouvel enregistrement.

Vous venez d’une maison musicale. Vous avez étudié la composition auprès de votre père, Ryszard Gabryś. Quelle influence votre père a-t-il eue sur la formation de votre personnalité musicale ?

Absolument. J’ai une grande chance : depuis ma toute première enfance, mon père, mais aussi ma mère, douée d’une oreille absolue (ainsi que de talents de composition que H. M. Górecki, en son temps, appréciait beaucoup...), me traitaient en partenaire, et grâce à des rétroactions créatrices j’ai pu suivre un chemin de développement musical rare et non standard. De même, les compositeurs amis de la maison ont eu une influence sur ma manière de penser le son et sa fonction, le temps et l’espace. La plus grande joie est que chaque jour nous menons des échanges animés de pensées sur diverses manifestations de la vie musicale, car c’est pour nous le contenu véritable, inspirant, du sens de la vie. Je vois une passion semblable, par exemple, chez Pierre Boulez ou Heinz Holliger, avec qui j’ai eu l’occasion de discuter en avril après ma participation au concert jubilaire de la Paul Sacher Stiftung à Bâle, et je constate que malgré toutes les différences et toutes les échelles entre eux et nous, l’ardeur et la passion d’entrer dans les détails de la production musicale sont semblables, sinon les mêmes : maximales.

Vous êtes également compositeur. Dans quels styles composez-vous ? Quelle musique est-ce ?

Je compose dans un style qui m’est propre : cela signifie que je construis le sens et la manière de conduire le contenu qui m’est essentiel non seulement à partir de mes propres choix, mais aussi de mes propres principes, réinventés pour les besoins de chaque œuvre, plan ou performance suivant. Cette manière de commencer à chaque nouvelle fois « à zéro » donne l’impression d’une nouvelle chance pour une découverte encore meilleure et plus profonde. La musique, son étude et sa « découverte » éveillent en moi une gratitude sincère, de nature religieuse. Un certain nombre de mes œuvres, de telle ou telle façon, se rapportent aussi à Dieu : qu’il s’agisse de « Święty Boże », pour soprano, cordes de piano, bande et lumières, récompensé il y a vingt ans par Witold Lutosławski du premier prix au concours de composition pour une œuvre dédiée à Jean-Paul II, ou de « Deus Irae », que j’ai interprété avec le Trio Pro Contemporania au festival « Warszawska Jesień » en 2002.

Combien d’œuvres votre production de compositeur comprend-elle ?

Environ cinquante opus, mais le gros de mon travail, ce sont des textes et des descriptions d’actions à venir. Je ne sais pas quelle part de tout cela j’aurai la chance de réaliser. Je me réjouis énormément du projet que je mènerai l’année prochaine à Berne pendant la « Musik Biennale Bern 2012 » : c’est une sorte de forme nouvelle, associant des constructeurs, la construction d’une machine musicale couplée à Internet, un projet de six semaines pendant lequel, avec des partenaires musicaux, j’habiterai sur scène, j’y dormirai et j’y créerai, diffusé comme dans « Big Brother », avec cette différence que nous avons une tâche concrète, un manifeste et un défi devant nous.

En 2002, au festival Warszawska Jesień, vous avez présenté votre composition théâtralisée « Deus Irae ». En quoi consiste sa théâtralisation ?

C’est une œuvre qui prolonge ma recherche d’un engagement du musicien dans la création de la musique d’une manière « totale », absolue, voire méta-musicale. J’ai donc souvent besoin de collaborateurs aussi exceptionnellement créatifs que possible - et j’ai la chance de les avoir trouvés ; ils viennent de tous les coins du monde. Ainsi s’est constituée pour moi une « patrie » horizontale, par opposition à la naturelle, « verticale », dans laquelle nous naissons comme homo sapiens. « Deus Irae » se rapporte au livre de mon auteur de prédilection, Philip K. Dick - et, dans un monde postnucléaire, transformé en une forme dégénérée du monde, il montre la force des rêves et des croyances. Le climat de « poésie de la conversation avec Dieu », saisi sous forme de dialogues musicaux dramatiques et de suggestions au sujet des choses dernières, était ici également inspiré par Henry Vaughan et son poème « The World », ainsi que par son premier vers : « I saw Eternity the other night » (« une nuit, j’ai vu l’Éternité »).

Vous êtes également performeur. À quoi ressemble ce courant de votre activité ?

La frontière entre improvisation, actions relevant purement du jeu d’acteur (il m’arrive notamment de jouer le rôle de « Kraus » dans un opéra de chambre), réalisations de partitions du genre classique et classique expérimental, contrôle du « rayonnement » (comme l’appellent les musiciens allemands - « Ausstrahlung »), de ses rôles, fonctions et nuances, s’est depuis longtemps effacée chez moi. Je considère comme performance non seulement mes apparitions scéniques, mais je reste fidèle à l’idée d’un ancien speaker de la Voix de l’Amérique, violoniste génial et âme véritablement artistique, Mirosław Kondracki : « ...joue n’importe quoi, n’importe quand, n’importe où, pour-n’importe-quoi, n’importe comment, quoique... ». La frontière entre l’art et la vie est consciemment effacée et franchie par moi. L’art est comme le pain quotidien, pour paraphraser mon chef d’autrefois, le prof. Jan Wincenty Hawel.

Quels sont vos projets comme soliste et chambriste ?

Chaque année, je voyage beaucoup à travers le monde - de Buenos Aires à l’Arménie en passant par la République d’Afrique du Sud - avec mon ensemble, l’Ensemble Phoenix Basel, ainsi qu’avec l’Ensemble Modern de Francfort, le Klangforum Wien de Vienne, avec lesquels je collabore régulièrement, les pre-art soloists de Zurich, XQuartett de Bâle, l’oenm de Salzbourg et d’autres groupes. Si je devais décrire le plan de concerts jusqu’à la fin de 2012, je devrais occuper une page supplémentaire de Twoja Muza ; je dirai donc seulement que je me réjouis de la création à Sarajevo de l’œuvre écrite pour moi par Aram Hovhannisyan, ou du rôle pensé pour moi dans le nouvel opéra d’Enno Poppe, que nous interpréterons en 2012 à Vienne.