Ich sah die Ewigkeit jüngst in der Nacht

Vollständiges Interview

Viele meiner Werke beziehen sich auf Gott: sei es „Święty Boże“ für Sopran, Klaviersaiten, Tonbänder und Lichter, vor zwanzig Jahren von Witold Lutosławski mit dem ersten Preis im Kompositionswettbewerb für ein Johannes Paul II. gewidmetes Werk ausgezeichnet, oder „Deus Irae“, das ich mit dem Trio Pro Contemporania beim Festival „Warszawska Jesień“ 2002 aufgeführt habe.

SYLWIA PRAŚNIEWSKA: Seit Jahren treten Sie sowohl in Polen als auch im Ausland auf. Worin unterscheiden sich der polnische und der westeuropäische Zugang zu klassischer Musik und Ausbildung?

ALEKSANDER GABRYŚ: Zur Grundlage meiner späteren Tätigkeit als Instrumentalist wurde das technische Handwerk, das ich bei meinen mit dem NOSPR verbundenen Katowicer Professoren erhielt und das auf klassischer Musik beruhte. Die Kontrabassliteratur aus der Zeit vor Paul Hindemith ist nicht so reich wie die Violin- oder Celloliteratur, was mich von Anfang an zur Suche nach neuen, tragfähigen Werken provozierte, die die Möglichkeiten dieses wunderbaren Instruments nutzen. Die hohen Anforderungen meines Katowicer Meisters, Prof. Waldemar Tamowski, erlauben mir heute, mich frei im Spektrum der Werke von den „rein klassischen“ bis zu den seltsamsten Experimenten von Komponisten zu bewegen, die mit Blick auf den Kontrabass und seine technischen und elektronischen „Erweiterungen“ schreiben. Meine klassische Ausbildung setzte ich in Basel u. a. bei Meistern wie Ovidiu Badila und Wolfgang Güttler fort; zweifellos hatten auch Kontakte mit anderen hervorragenden Musikern aus dem Lehrkörper der Basler Musik-Akademie Einfluss, wie Sergio Azzolini, Ivan Monighetti, Thomas Demenga oder Gidon Kremer, mit dem ich dank diesem Nachdiplomstudium vor über einem Jahrzehnt das Glück hatte, viele Konzerte als Co-Solist in einem Werk von Alberto Ginastera zu spielen.

Die Vervollkommnung der „klassischen“ Fähigkeiten setzte ich einerseits in weiteren Studien - nach dem Erwerb des Solistendiploms - an der Schola Cantorum Basiliensis im Bereich des Spiels auf dem alten Violone bei David Sinclair fort, andererseits in Kompositionsstudien bei Thomas Kessler und Hanspeter Kyburz. Da Prof. Witold Szalonek seit meiner Kindheit ein häufiger Gast und Freund meiner Eltern in unserem Katowicer Haus war, wurde mein Stil, über Musik zu denken, von Anfang an mit einem Faden der Hoffnung auf etwas Neues in der Musik „geimpft“; zuerst also kindlich, später schon professionell, führte ich zahlreiche Experimente und Realisierungen unter Einsatz von Kontrabass, Elektronik, Gadulka, eigenen Instrumenten und improvisatorisch-aleatorischen Elementen durch.

Auch das Dirigierstudium in Basel bei Prof. Jost Meier gab mir etwas Handwerk, das später beim Leiten einiger Kammerensembles und beim Führen von Studio- und Kompositionsprojekten nützlich wurde. Die Verbindung dieser Eigenschaften - der „zirkushaften“ Fähigkeit zur Realisierung typisch „klassischer“ Aufgaben mit dem ungesättigten Verlangen nach einem erahnten und nicht auffindbaren wahren musikalischen „Glück“ - erlaubte mir, viele neue Werke mit dem Kontrabass in der Hauptrolle „hervorzurufen“, von Komponisten aus fast allen Ecken der Welt.

Das „klassische“ Milieu im Westen ist unvergleichlich stärker mit der „Avantgarde“ integriert, die zum Beispiel durch meine Kompositionsprofessoren und -mentoren vertreten wird, als dies in Polen der Fall ist. Der Grad der Vertrautheit des sogenannten breiten Publikums mit den Werten und dem Sinn der Existenz neuer Musik ist im Westen insofern höher, als er keine Effekte der „Ablehnung“ oder des „Schocks“ durch das Experiment hervorruft, sondern lebhafte Diskussionen über den Inhalt und das Niveau neuer kompositorisch-ideeller Lösungen weckt. Das Publikum besucht Konzerte und Festivals, die sich um ein „hier und heute“ geschriebenes Repertoire konzentrieren, viel bereitwilliger, als dies in Polen der Fall ist, wo das Interesse an ausgezeichneten Konzerten mit neuester Musik manchmal kümmerlich ist und Traurigkeit hervorruft, wenn das Publikum einmalige Gelegenheiten verliert, sein Verständnis der Natur und der Welt durch Musik zu vertiefen. Deshalb lohnt es sich, die anspruchsvolle und schwierige Werkstatt in Polen zu durchlaufen, wo die Unterrichtsmethoden auf einem viel strengeren Niveau stehen, und sich danach einen glücklichen „Atem“ in einer Welt zu erlauben, in der alle Erscheinungen des Künstlerischen, auch des nicht-musikalischen, auf natürliche Weise stark integriert sind und niemand mehr ein Problem in polystilistischen oder „polytechnischen“ Transgressionen sieht.

Vor kurzem haben Sie beim Label Dux das Doppelalbum „Bassolo“ veröffentlicht.

Auf Grundlage des Stipendienprogramms „Młoda Polska“ erhielt ich vom Kulturministerium Mittel zur Realisierung einer Platte, die neue Musik mit dem Kontrabass in der Hauptrolle präsentiert. Das sind mehr als 141 Minuten Musik, die selten oder nie zuvor aufgeführt wurde. Ich habe dort sowohl Werke polnischer Komponisten aufgenommen, um meine eigenen Wurzeln zu fördern, als auch für mich geschriebene schweizerische, koreanische oder slowakische Werke. Neben der monumentalen „Musica concertante“ von Witold Szalonek oder dem verträumten und witzigen Konzert meines Vaters Ryszard befinden sich auf diesem Album auch „Denkmäler“ der Kontrabassliteratur, aus der Sicht der neuesten Musik schon etwas museale Werke, ohne die wir keine Chance auf das Kulturniveau hätten, das wir heute haben, also diese „wichtigsten“ Werke von Autoren wie Iannis Xenakis, Giacinto Scelsi, Gérard Grisey oder John Cage.

Einige der auf dieser Platte enthaltenen Kompositionen sind speziell für Sie entstanden und Ihnen gewidmet.

„Seit jeher“ schrieb Papa für mich; infolgedessen hat sich in seiner Komponistenmappe bereits eine beträchtliche Sammlung von Literatur für Kontrabass angesammelt, oft unter Einsatz der Stimme, was wir - vom Sinn des „totalen Spielens“ überzeugt - mein Vater und ich gerne anwenden. Ergebnis meiner Auftritte in diesem Repertoire sind zahlreiche davon inspirierte - im „Domino“-Effekt entstandene - Kompositionen, die demselben von meinem Vater abgesteckten Weg folgen, für mich und mit Blick auf mich und meine gemischten Qualifikationen als instrumentaler „Schauspieler“ oder „Erzähler“ geschrieben: Werke von Michel Roth, Alfred Knüsel, Jevgenij Iršai, Thomas Lauck, Helmut Oehring, Andrzej Dziadek oder Junghae Lee. Schon nach der Aufnahme dieser Platte erhielt ich weitere Partituren von schweizerischen, armenischen und englischen Komponisten, sodass sich Material für eine neue Aufnahme angesammelt hat.

Sie kommen aus einem musikalischen Haus. Komposition haben Sie bei Ihrem Vater, Ryszard Gabryś, studiert. Welchen Einfluss hatte Ihr Vater auf die Herausbildung Ihrer musikalischen Persönlichkeit?

Absolut unveräußerlich. Ich habe großes Glück, dass mich seit frühester Kindheit der Vater, aber auch meine mit absolutem Gehör begabte Mutter (auch mit kompositorischen Talenten, die H. M. Górecki seinerzeit sehr schätzte...) partnerschaftlich behandelten, und dass ich nach dem Prinzip kreativer Rückkopplungen einen selten anzutreffenden und nicht standardmäßigen Weg musikalischer Entwicklung gehen konnte. Auch die Komponisten - Freunde des Hauses - hatten Einfluss auf meinen Stil, darüber zu denken, was Klang und seine Funktion, Zeit und Raum sind. Die größte Freude ist, dass wir jeden Tag lebhafte Gedankenaustausche über verschiedene Erscheinungen des musikalischen Lebens führen, denn dies ist für uns der wahre, inspirierende Inhalt des Lebenssinns. Eine ähnliche Leidenschaft sehe ich zum Beispiel bei Pierre Boulez oder Heinz Holliger, mit denen ich im April nach meinem Auftritt beim Jubiläumskonzert der Paul Sacher Stiftung in Basel Gelegenheit hatte zu sprechen, und ich stelle fest, dass trotz aller Unterschiede und Maßstäbe zwischen ihnen und uns die Glut und die Leidenschaft, sich in Details musikalischer Produktion zu vertiefen, ähnlich, wenn nicht dieselbe ist: maximal.

Sie sind auch Komponist. In welchen Stilen komponieren Sie? Was für Musik ist das?

Ich komponiere in einem eigenen Stil: Das bedeutet, dass ich den Sinn und die Art der Führung des für mich wesentlichen Inhalts nicht nur auf Grundlage eigener Entscheidungen, sondern auch eigener Prinzipien konstruiere, die für die Bedürfnisse jedes weiteren Werkes, Plans oder jeder Performance neu geschaffen werden. Der Stil, jedes weitere Mal „bei null“ anzufangen, erzeugt den Eindruck einer neuen Chance auf eine noch bessere und tiefere Entdeckung. Die Musik und ihr Lernen sowie ihr „Entdecken“ wecken in mir eine aufrichtige Dankbarkeit religiöser Natur. Auch eine Reihe meiner Werke bezieht sich auf die eine oder andere Weise auf Gott: sei es „Święty Boże“ für Sopran, Klaviersaiten, Tonbänder und Lichter, vor zwanzig Jahren von Witold Lutosławski mit dem ersten Preis im Kompositionswettbewerb für ein Johannes Paul II. gewidmetes Werk ausgezeichnet, oder „Deus Irae“, das ich mit dem Trio Pro Contemporania beim Festival „Warszawska Jesień“ 2002 aufgeführt habe.

Wie viele Werke umfasst Ihr kompositorisches Schaffen?

Etwa fünfzig Opus; der Großteil meiner Arbeit sind jedoch Texte und Beschreibungen nächster Handlungen. Ich weiß nicht, wie viel davon ich die Chance haben werde zu realisieren. Ich freue mich außerordentlich über das Projekt, das ich im nächsten Jahr in Bern während der „Musik Biennale Bern 2012“ durchführen werde: Es ist eine Art neue Form, die Konstrukteure, den Bau einer mit dem Internet gekoppelten musikalischen Maschine verbindet, ein sechs Wochen dauerndes Projekt, während dessen ich gemeinsam mit musikalischen Partnern auf der Bühne wohnen, dort schlafen und schaffen werde, übertragen wie in „Big Brother“, mit dem Unterschied, dass wir eine konkrete Aufgabe, ein Manifest und eine Herausforderung vor uns haben.

Im Jahr 2002 haben Sie beim Festival Warszawska Jesień Ihre theatralisierte Komposition „Deus Irae“ vorgestellt. Worin besteht ihre Theatralisierung?

Es ist ein Werk, das mein Streben fortsetzt, den Musiker auf „totale“, absolute, geradezu meta-musikalische Weise in die Kreation von Musik einzubeziehen. Deshalb brauche ich oft möglichst außerordentlich kreative Mitarbeiter - und ich habe das Glück, sie gefunden zu haben; sie kommen aus allen Ecken der Welt. Auf diese Weise ist für mich eine horizontale „Heimat“ entstanden, im Unterschied zur natürlichen - „vertikalen“ -, in die wir als homo sapiens geboren werden. „Deus Irae“ bezieht sich auf ein Buch meines Favoriten Philip K. Dick - und zeigt in einer postnuklearen Welt, verwandelt in eine degenerierte Gestalt der Welt, die Kraft von Träumen und Glaubensvorstellungen. Die Atmosphäre der „Poesie des Gesprächs mit Gott“, gefasst in die Form dramatischer musikalischer Dialoge und Suggestionen über die letzten Dinge, war hier ebenfalls von Henry Vaughan und seinem Gedicht „The World“ sowie von dessen erstem Vers inspiriert: „I saw Eternity the other night“ („Ich sah die Ewigkeit jüngst in der Nacht“).

Sie sind auch Performer. Wie sieht dieser Bereich Ihrer Tätigkeit aus?

Die Grenze zwischen Improvisation, Handlungen rein schauspielerischer Natur (ich spiele u. a. die Rolle des „Kraus“ in einer Kammeroper), Realisierungen von Noten aus dem Bereich der Klassik und der experimentellen Klassik, der Kontrolle des „Ausstrahlens“ (wie es deutsche Musiker nennen - „Ausstrahlung“), seiner Rollen, Funktionen und Schattierungen, hat sich bei mir längst verwischt. Als Performance betrachte ich nicht nur meine Bühnenauftritte, sondern ich bleibe der Idee eines Sprechers der „Stimme Amerikas“ von vor Jahren, eines genialen Geigers und einer wirklich künstlerischen Seele, Mirosław Kondracki, treu: „...spiel irgendetwas, irgendwann, irgendwo, für-irgendetwas, irgendwie, obwohl...“. Die Grenze zwischen Kunst und Leben wird von mir bewusst verwischt und überschritten. Kunst ist wie das tägliche Brot, um meinen Chef von früher, Prof. Jan Wincenty Hawel, zu paraphrasieren.

Welche Pläne haben Sie als Solist und Kammermusiker?

Jedes Jahr reise ich ziemlich viel um die Welt - von Buenos Aires über die Republik Südafrika bis nach Armenien - mit meinem Ensemble, dem Ensemble Phoenix Basel, wie auch mit dem Ensemble Modern aus Frankfurt, dem Klangforum Wien aus Wien, bei denen ich ständiger Mitarbeiter bin, den pre-art soloists aus Zürich, XQuartett aus Basel, oenm aus Salzburg und anderen Gruppen. Wenn ich den Konzertplan bis Ende 2012 beschreiben müsste, müsste ich eine weitere Seite von „Twoja Muza“ einnehmen; ich sage also nur, dass ich mich auf die Uraufführung des für mich geschriebenen Werkes von Aram Hovhannisyan in Sarajevo freue oder auf die mit Blick auf mich geschriebene Rolle in der neuen Oper von Enno Poppe, die wir 2012 in Wien aufführen werden.